映画音楽のちょっとした物語
サイレント映画からハンス・ジマーまで
07/22/2025スヴェン・アナート
サイレントから大げさなものまで：フィルムミュージックは大きく変わりました。最初は、彼女はプロジェクターのガタガタをownれさせるためだけにそこにいました。現在、ジョン・ウィリアムズやハンス・ジマーなどの作曲家は、映画の感覚のサウンドトラックを形成しています。
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それがすべて始まった方法：ガラガラに対する音楽
最初は映画館は沈黙していましたが、決して静かではありませんでした。写真がちらつき、ピアニストや小さなアンサンブルがホールで演奏されました。音楽はアコースティックベールとして機能し、プロジェクターのガタガタを覆い、観客の感情を操縦しました。即興、適応、しばしば古典的な作品のレパートリーから。
1929年に「ジャズシンガー」で1927年に最初に成熟したサウンドフィルムの導入により、音楽は映画の不可欠な部分になりました。彼女はもう写真に同行していないと彼女は言った。映画音楽の歴史はスピードを上げました。
アル・ジョルソンは史上初のトーキー「ジャズシンガー」で歌います。MPG
映画音楽の黄金時代：マックス・シュタイナー
1930年代のハリウッドは、よく油を塗った幻想マシンでした。ワーナー、MGM、ユニバーサルを含む8つの大規模なスタジオは、組立ラインで制作されています。音楽も時計仕掛けのように組織されていました。各スタジオには、独自の「音楽部門」、アレンジャー、成績、オーケストラのはしご、ミュージシャンを備えた巨大な部門がありました。時には4人の作曲家が同時に単一のスコアで書いた。クラシックとつながるこの記念碑的な音は、ここで作成されました。しばしば映画音楽の父と呼ばれるマックス・シュタイナーは、1933年に「キング・コング」とスコアを構成し、後にあらゆる動きを正確に名付けた「ミッキー・ウーズ」テクニックを完成させました。彼の原則：「耳は目が見ているものを聞かなければなりません。」
1933-キングコング（マックスシュタイナー）
エーリッヒ・ヴォルフガング・コーンゴールドとのオペラのような部隊
かつてウィーンの驚異だったエーリッヒ・ヴォルフガング・コーンゴールドは、「ロビン・フッド」（1938）や「ザ・シー・ターク」（1940年）などの冒険をしました。彼の音楽は、平凡な映画シーンを劇的なオペラにしました。そして、「ベン・ハー」（1959）で歴史上最も壮大なスコアの1つを書いたミクロス・ロズサは、ハンガリーのフォークミュージックとモダンハーモニーを備えた古典的な形を書いています。 「スペルバウンド」（1945）や「Quo Vadis」（1951）などの彼の作品は、このジャンルを持続可能に形作りました。
メインタイトル – ミュートファンファーレ
この黄金時代も経済的に魅力的でした。スタジオミュージシャンは年間契約を受け、有給休暇を受けました – 年間給与とともに、ベーシストのマイク・ルービンによると、「スイミングプールと新しい車」を買う余裕があります。
しかし、1950年代の終わりには終わりました。スタジオは音楽部門を解散し、作曲家はフリーランサーになりました。映画音楽の産業時代は終わりました。
変化の音：映画のジャズ、歌、即興演奏
1950年代と60年代は激動によってマークされました – 音楽的にも。ジャズは、背景としてではなく、物語の文体的なデバイスとして、映画への道を見つけました。 1958年、マイルズ・デイビスは、「邪悪なザム・シャフォット」の予測のためにライブで作曲しました。彼の着用したトランペットは、映画ノワールの音響シンボルになりました。歌も前面に出ました。「High Noon」（1952）は、「Do Do Do Do Do Do n’t Farsake Me、Oh My My Darlin」で基準を設定しました。 「The Muter Exam」（1967）のSimon＆Garfunkelの歌は、映画の不可欠な部分になりました。ハリウッドは次のように認識していました：音楽は感情を販売しています – そしてプレート。スタジオは曲を指定し始めました。音楽は、劇的なツールだけでなく、マーケティング要因にもなりました。
「足場へのリフト」のジャンヌ・モロー（マイルズ・デイビスのテーマ）
ジョン・ウィリアムズとオーケストラ・ルネッサンス
現在、多くの映画がポップミュージックに依存していますが、作曲家は逆の道を歩んできたため、大ヒット映画に革命をもたらしました。 「スターウォーズ」（1977年）で、ジョン・ウィリアムズは大きなオーケストラを取り戻しました：英雄的で、感情的で、思い出深い。ルーク・スカイウォーカー、レイア王女、ダース・ベイダーなどのキャラクターのための彼のライトモチーフは、音楽の原型になりました。 「ET」、「ジュラシックパーク」または「インディアナジョーンズ」ウィリアムズも、映画の感情的な物語の構造を大幅に形作っていました。彼の音楽はアクセサリーではありませんでした – 彼女は感情的なバックボーンでした。
John Williams＆Wiener Philharmoniker – 「Star Wars：A New Hope」からの「メインタイトル」
同時に、ミニマリストシンセサイザー（「ハロウィーン」、1978年）を備えたジョンカーペンターは、悪の世界からのように、完全に異なる音を形作りました。
ジョンカーペンター – ハロウィーン1978（メインテーマ）
ハンス・ジマーと新しい大ヒットサウンド
1990年代には、テクノロジーがますます方向を引き継ぎました。デジタル生産の先駆者の卓越したハンス・ジマーは、「グラディエーター」と「インセプション」という新しいサウンド言語を開発しました。電子テクスチャ、デジタルオーケストラ、脈動リズム。特に印象的な：いわゆる「Braaam」サウンド – 映画体験のアコースティックショックのように掘削する大規模で深く活況を呈するコード。それは脅威、サイズ、最終的なものを表し、現代のアクションとSF映画の商標になりました。 Zimmerのプロダクションコレクティブ「リモートコントロールプロダクション」は、古いスタジオシステム：作曲家のネットワークに取って代わりました。
braaam！ （別名インセプションサウンド）
今日の映画音楽：多様性、多様性、新しいサウンドスペース
フィルムミュージックは、多くの場合、ラップトップ、ドローン、フィールドレコーディングを備えたラップトップでデジタルで実行されます。音は空間、雰囲気、感情的な深さになります。簡潔な例：「帝国の光」（2022）のトレント・レズナースコア。音楽は映画を通してほとんど聞き取れずに流れ、憂鬱で距離を置いています。また、独立したサウンドルームとしてのイメージから独立しているように見えます。
多くの現代のスコアは、映画館の向こうに住んでいます。プレイリスト、展示会、建築。映画が色あせているとき、時には耳の中ではなく、どこか深い場所にあるときにトーンがあります。絵が長い間消えてきたときに残るものとして。
記事の著者：Sven Ahnert
放送：BR-Klassikで毎週日曜日の午後6時5分から「Cinema」
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