インタビュー: ライラ・プラムク

Lyra Pramuk が、コラボレーション、空間、癒しが彼女のライブ パフォーマンスの中心であることについて語ります。

Lyra Pramuk の芸術性は綿密に記録されています。 ベルリンを拠点とする歌手、作曲家、プロデューサー、パフォーマンスアーティストである彼女は、形而上学的な精神性への献身、揺るぎない感性、そしてエレクトロニクスに焦点を当てた未来的なフォークミュージックを紡ぎ出すことでその二つがどのように表現されるかで知られている。 しかし、ステージ上のライラ・プラムクという存在は、あまり説明しにくいものです。

Lyra Pramuk は集団的な癒しの儀式を通じて、共同学習とパフォーマンスの実践を用いて、心と体のつながりを探求する親密な旅に観客を誘います。 Lyra Pramuk のライブ パフォーマンスはニュアンスに基づいて構築されます。 外部および内部の状況が軌道を決定し、ライラ・プラムクと聴衆はその流れに沿って進んでいきます。

一連の共同作品を通じて、プラムクはコンテンポラリーダンスと作曲的な室内楽にまたがる媒体を取り入れてきました。 即興演奏に道を譲り、自身の練習以外でもアーティストと緊密に連携することで、音楽制作とライブパフォーマンスの両方に対する彼女のアプローチは劇的に変化しました。 ライラ・プラムクは深い内省を通じて、文字通りの抽象的な空間に対する自身の認識を振り返り、見知らぬ人たちの間の脆弱性を受け入れ、芸術作品を解釈しようとする業界の衝動を拒絶します。

この特集は元々、Fact の 2022 年春夏号に掲載されており、購入可能です 彼再。

クレール・ムシュモア: あなたのデビューアルバム、 噴水、 』はパンデミックが始まった2020年3月にリリースされ、2021年にはそれに続いて『 デルタ、十数人のアーティストに自由に解釈する機会を与えたリミックスアルバム 噴水 それぞれのスタイルを通して。 あなたがこの 1 年間にわたってパフォーマンスを行ってきた聴衆は、これら一連の作品をライブで体験した最初で唯一の人々です。 彼らはどのように受け取られましたか？

ライラ・プラムク: 多くの人が私の音楽とのつながりを築きました。 噴水 そして今でもそれと非常に親密なレベルで関係しています。 しかし、パンデミックの影響でアルバムをライブで体験することができず、再びツアーをしている今、その作品をきちんと体験したいという切望があることが明らかになった。 だからまだ遊んでるよ 噴水 なぜなら私はリスナーとのコミュニケーションを切望しているからです。 私は商業アルバムのサイクルには興味がありません。 それは私にとって興味のあることではありません。 このアルバムは長く残るもの、何度でも見返すことができるものにしたいと思いました。 タイムスタンプや有効期限を付けたくなかったのです。 の限り デルタ 心配していますが、そのプロジェクトは私の心にとても近いものです。 噴水 このような孤独なプロセスを経て考案されました。 それは瞑想的でソロであり、実験的なアカペラの電子ボーカル素材はすべて、私が見た夢を再文脈化したものでした。 私はその夢を自分のコミュニティに広げ、私が本当に愛した他の作曲家やプロデューサーを招いて、音楽を中心に集団的な世界を構築したいと考えました。 今回のツアー中のステージでは、以下の抜粋を演奏します。 デルタ 私のセット全体を通して、ある種のトランジションとして、伝統的なパフォーマンスを織り交ぜて、 噴水、つまり、私の気分に応じて、この 2 つはさらに変化し、融合し続けます。

CM: 最近のライブ パフォーマンスでコラボレーションをどのように活用して、内に秘められた可能性を再考しましたか? 噴水 そして デルタ?

LP: 私は常にパフォーマンスについて非常に学際的な方法で考えてきたので、異なる聴衆向けに再文脈化するために同じ作品の異なるバージョンを作成するのは自然なことだと感じています。 厳密には同じアルバムであっても、すべてのショーには探究心を持ったコラボレーターが参加しており、 噴水 全く違うように感じました。 ダンサーたちとのショーは、ステージ上の私たちの集合体に関するものであり、ダンス劇場を超えて、特定の空間における身体の相互関係についての瞑想となった。

その音楽をライブで演奏するボーカリストとして、それは私の個人的な表現というよりも、私たち3人全員の旅を一緒に追跡することに重きを置きました。 室内アンサンブルで歌うのは、KDV ダンス アンサンブルの 2 人のダンサーと一緒に歌うのと同じように、また違ったものを感じました。 それは、素晴らしいパフォーマー全員を招待して、相乗効果を集合的に再考することで、この音楽の表面で踊ったり演奏したりすることでした。

ある時点で、従来のスタジオ環境で録音された音楽を演奏するというよりも、ジャムをしているように感じます。 これらの共同パフォーマンスの後では、音楽はまったく違ったものに感じられます。 この音楽は今では私だけのものではなく、それに参加している 40 人以上の共同制作者たちのものでもあります。

CM: 集団的なパフォーマンスは、即興の要素に依存している場合、非常に反動的になることがよくあります。 あなたが言ったように、ある時点では、それはもはや音楽だけの問題ではありません。 それは、あなたが空間を共有している他の身体についてであり、あなたの周りの空間に誰がいて、何がいるかを認識することです。 物理的空間は、それが建築そのものであれ、ステージ上の身体間の否定的な空間であれ、パフォーマンスへのアプローチにどのような影響を与えますか?

LP: パフォーマンスの面に集中するとき、私は何よりもまず空間について考えます。 アーキテクチャは本当に重要です。 私はパフォーマンスのキャリアをスタートし、天井が非常に低い多くのバーやクラブで演奏しました。 それにより、自分の動き方や空間の移動方法に、まったく異なる感覚が生まれます。 自分の作品にコラボレーターを招く前から、ライブで演奏するときに非常に親密な空間感覚を持てるようにしていました。

天井の高さは音響に大きな影響を与えますが、それ以上に、自分の体から音を届けることができると感じるという点で、心理的な影響を受けます。 非常にデリケートな生態系が関係しています。 私は空間の音響を考慮します – 壁の材質、天井の高さ、部屋の大きさと形、窓が空間の響き方をどのように変えるか、ステージの大きさ – これらすべてがどれだけ影響するか物理的に、そして声を通して移動しなければならない空間。

要約すると、これらすべてはその部屋にいる全員の経験の全体性に影響を及ぼし、それはまさに集団的な儀式であると私は信じています。 だから、それは私対彼らの問題ではありません。 たとえば、ショーの最後の曲「New Moon」を演奏することは、私にとってはまったくワイルドな異教のカタルシスです。 これは私のアルバムを締めくくる曲であり、私が本当に自分自身を解放し、その空間を私たち自身の魂、精神、身体の拡張として使用できる瞬間です。

CM: 一般的に言って、あなたのパフォーマンスへのアプローチは非常に演劇的で、それはベルリンのフォルクスビューネでのKDVダンスアンサンブルとの最近の仕事や、昨年12月にニューヨークのMoMA PSで初演された室内アンサンブルとのコラボレーションに反映されています。 私は、各パフォーマンス中にあなたが旅に出ることを理解することに興味があります。 あなたは、各ショーの最後の部分を、観客に向けて自分自身を「割る」「完全にワイルドな異教のカタルシス」の瞬間と呼んでいました。 どうすれば観客を信頼してオープンに接することができるほどの弱さの境地に達することができるのでしょうか？

LP: その演奏構造は音楽の意図を反映しています。 これは常に私が集団的な癒しの儀式としてデザインした音楽でした。 このアルバムは悲しみと自己の再生、そしてその後の喜びを追跡するものであるため、曲は特定の順序で設定されています。 注文には理由があります。 それは悲しみと変容のサイクルです。 そして、私が創作したとき、多くの個人的な出来事からインスピレーションを得たにもかかわらず、 噴水、私の個人的な経験を超えた集団的な癒しの儀式のためのスペースを作成することが常に私の目標でした。 そして、人々を私と一緒にその空間に連れて行き、この癒しの旅に招待することで、私は別の一連のコラボレーションに着手しました。 私は、音楽が各個人に何をもたらすかを調査することで、各個人の悲しみや癒しとの関係を探ることに興味があります。 そうやって全員のためのスペースを確保するのは、本当に感情的なプロセスです。 しかし、それはとても価値のあることです。 私はパフォーマンスの表面的な側面に時間を浪費することに興味はありません。 はい、私は美学と形式に執着していますが、常に私たちの内部世界を外部の完璧な表現に持ち込むというより広い目標を持っています。 私がこの仕事をするのには常に深い目的があります。

CM: 新しい音楽に取り組んだり、新しいパフォーマンスを組み立てたりするとき、それが文字通りで物理的なものであっても、抽象的で想像上のものであっても、どのような種類の空間で自分の音楽が体験されることを想像しますか?

LP: あの世界の輪郭は私にはそれほど明確ではありません。 それは可能性を秘めた新たな空間であり、住めば住むほどその空間が私にとってより明確になるのです。 私にとってこの空間は恵まれていると感じますが、光を当てて細部を見せようとすると消えてしまうので、私はそれに対して深い敬意を抱いています。 私は、ライトをオンにして露出させ、それが実際に何であるかを確認しようとすることに興味はありません。それは重要ではありません。 この空間は空想の世界ではなく、この世界の美しさと喜びだけでなく、この世界の課題にもつながる抽象的なユートピアです。 しかし、ユートピアとしての地位を維持するには、この独立した不可知の空間に存在しなければなりません。

CM: ライブパフォーマンス中に、聴衆が彼ら自身の癒しの旅を先導し、引き受けるように配置します。 あなたの仕事において、通訳と代理店はどのような役割を果たしていますか?

LP: 私は人々が何を感じるべきかを指図することにまったく興味がありません。 それは私の仕事ではありません。 ものづくりに興味があります。 私はそれを彫刻のような物質的な作品のように考えています。 それはただ存在するだけで、人々がそこから得られるものはすべて美しいのです。 この点に関する私の立場は、スーザン・ソンタグのエッセイ「解釈反対」によるものだと考えています。このエッセイは、解釈が芸術作品を殺すと言い換えることができます。 芸術作品を、芸術作品を貧しくするだけでなく、それを体験する個人をも貧しくするような全体的な方法で説明しようとすることは、安っぽく、品位を損なうものであると私は感じます。 そうすることによって、人々は安くなります。 作品には多様な解釈が存在するはずであるため、人々が個人的な生きた経験を説明しようとするのは品位を傷つけるものです。 そして、そのほとんどは解釈でさえなく、単に感じられたものです。 実際に体験する前に、その体験について説明すると、その人は、もしあんなに殴られていなければ違った経験をしていたかもしれないという潜在的な感情と理解の世界から切り離されてしまいます。

CM: あなたは、パフォーマンスの儚い性質を受け入れることや、経験を記録することよりもその瞬間に存在することがどのように優先されるべきかについてよく話しています。 身体的、感情的に自分がどの位置にいるかによって、ステージ上での存在感がどのように決まるのでしょうか?

LP: このことについては友人のコリン・セルフとよく話します。 それは、「このパフォーマンスに何が必要なのか？」と自問することです。 この瞬間、私は今どこにいるのでしょうか？ 自分自身と向き合い、自分がどのように変化していくのかを確認し、その日の自分の状況にズームインする機会です。 自分自身の人生の流れに身を委ね、パフォーマンスを通してそこから何かを学ぶこと。 これはパフォーマンスの儀式的な側面に触れていると思います。 それぞれのパフォーマンスは、多くのことを学ぶことができる一種のポータルです。 それはあなたをリアルタイムで移動させ、変化させることができます。

哲学的なレベルでは、脳と身体が切り離されていないことを認識して行動することが重要です。 実際、それらは非常に密接に関連しており、私たちを導いているものの多くは直感と感情です。 私たちの神経系が感情を感知することは、特にパフォーマンスや現代生活全般においてそれが何を意味するかという点で、思考において非常に重要な側面です。 自分の体を信頼すればするほど、最終的にはより良い決断を下せるようになります。 それはすべて暗号化されており、それが提供する非言語的な感情空間と関係しています。 私たちが必要とするものはすべてそこにあります。 それは、私たちが集中し、瞑想し、注意を払うことができればの話です。

言葉: クレア・ムシュモア
写真: ペドロ・S・キュスター

この特集は元々、Fact の 2022 年春夏号に掲載されており、購入可能です 彼再。

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